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I visitatori ammirano i dipinti della mostra “Spirit & Splendor: El Greco, Velázquez and the Hispanic Baroque,” una grande esposizione visibile all’Università del Texas fino al 1° febbraio.
Blanton Museum of Art.
La parola giusta è “lussurioso.”
Passeggiando per le gallerie del Blanton Museum of Art, un’impressione di straordinaria sensualità pervade “Spirit & Splendor: El Greco, Velázquez e il Barocco Ispanico,” una grande esposizione visibile all’Università del Texas fino al 1° febbraio.
Aggiungere a questa lussuria evidente altri elementi: intuizioni di potere imperiale, scambio culturale e espressioni teatrali di fede.
La mostra itinerante allestita dalla Hispanic Society Museum & Library di New York è stata inaugurata alla fine di agosto, poche settimane prima dell’inizio del mese del patrimonio ispanico.
L’esposizione di dipinti (per lo più) non è solo importante, ma completa direttamente le collezioni esistenti del museo d’arte UT.
Il Blanton ospita già una considerevole collezione di arte ispanica e latinoamericana che rispecchia ciò che si vede in “Spirit & Splendor,” mentre la collezione fondante Suida-Manning di Old Masters del museo di Austin è dominata da dipinti provenienti dal periodo barocco.
Durante un’epoca che si estese dal XVI al XVIII secolo, le potenze europee cattoliche e le loro colonie abbracciarono un monumentalismo drammatico mescolato con generose dosi di dettagli elaborati a sostegno della Controriforma.
In aggiunta a questi incroci artistici, il Blanton e la Hispanic Society di New York condividono un primo mecenate, studioso e donatore, Archer Milton Huntington, erede ferroviario e industriale che ha pionierato gli studi ispanici in questo paese.
In effetti, l’UT è sede di almeno una scultura di sua moglie, Anna Hyatt Huntington.
Il fondo museale Archer M. Huntington, seedato con la sua donazione nel 1927, ha fornito una base finanziaria per quello che diventò il Blanton Museum of Art.
Con tutti questi pensieri che si aggirano sullo sfondo, ho chiesto a Rosario Granados-Salinas, curatore dell’arte delle Americhe spagnole del Blanton, e a Holly Borham, curatore di stampe, disegni e arte europea, di parlare di questa magnifica mostra.
American-Statesman: In che modo questa mostra completa l’arte che tu personalmente supervisioni nella collezione del Blanton? Come vedranno gli ospiti le collezioni del museo in modo diverso dopo aver visitato questa mostra?
Holly Borham: La collezione del Blanton include ottimi esempi di dipinti barocchi italiani e francesi, ma quasi nessuno di quel periodo in Spagna.
Questa esposizione colma quelle lacune con opere di alcuni dei più grandi artisti del XVI e XVII secolo, come Velázquez, El Greco e Zurbarán.
I visitatori possono godere di ritratti maestri di Velázquez e dei suoi contemporanei, e poi salire al piano superiore nella galleria europea dedicata al ritratto, dove possono confrontare come artisti di diverse regioni e periodi hanno ritratto i soggetti di varie classi sociali e generi.
Rosario Granados-Salinas: Funziona come un ponte tra la collezione di arte europea del Blanton — principalmente italiana, con alcune opere significative di arte francese, fiamminga e britannica — e l’Arte delle Americhe spagnole.
Quest’area (di collezionismo) è stata sviluppata nel 2016 per contestualizzare le significative collezioni del Blanton di arte latinoamericana moderna e contemporanea, una delle più antiche negli Stati Uniti.
Holly Borham: Per coloro che, come me, amano il “San Cecilia” del Blanton, realizzato dal francese Simon Vouet, è un piacere speciale vedere il “San Cecilia” di Pedro Núñez del Valle, che è altrettanto coinvolgente e fissa lo spettatore con il suo sguardo.
Rosario Granados-Salinas: Speriamo che dopo aver visto “Spirit & Splendor” — e la rotazione dell’Arte delle Americhe spagnole che verrà inaugurata alla fine di ottobre e si concentra sul barocco sudamericano — i nostri visitatori acquisiscano una migliore comprensione di come gli artisti viaggiassero ampiamente in cerca di migliori condizioni di lavoro.
Da El Greco, Velázquez e Zurbarán a Herrera e Holguín: tutti loro lasciarono i loro luoghi di nascita e furono nutriti dalle loro esperienze di viaggio.
Alcuni dei pezzi sono massicci e/o fragili. Quali preparativi extra devono essere in atto per gestire questi tesori?
Granados-Salinas: Il team del Blanton è ben esperto nella gestione di oggetti altamente preziosi come quelli della mostra.
Anche se le grandi dimensioni e le pesanti cornici hanno reso alcuni di questi dipinti difficili da gestire, non sono a conoscenza di preparazioni speciali necessarie per maneggiare questi tesori, eccetto per le scatole che abbiamo costruito per i primi quattro dipinti per garantire le loro condizioni ottimali di umidità.
Holly Borham: Le opere dipinte su tavola sono particolarmente fragili perché il legno si espande e si contrae con lievi cambiamenti di calore e umidità.
Pertanto, abbiamo dovuto costruire casi di microclima per i quattro dipinti su tavola presenti nell’esposizione.
Opere a doppio lato come quella dipinta su una lastra di rame e un’altra utilizzata in una processione sono anche esposte in casi in modo che possano essere visualizzate da entrambi i lati.
Granados-Salinas: L’oggetto più delicato della mostra, la scultura in terracotta di Luisa Roldan, fa parte della nostra collezione, quindi il team è più che preparato a maneggiarlo con cura.
La prima parola che mi è venuta in mente passeggiando tra le gallerie era lussurioso!
Nonostante tutto il simbolismo sacro e la grandiosità imperiale, i dipinti risultano sensuali e lussuosi.
Holly Borham: Bene! Questo è esattamente ciò che l’artista e il patrono delle opere vorrebbero che tu sentissi.
Granados-Salinas: “Lussurioso” è una parola molto appropriata.
Essa riflette chiaramente la natura paradossale del Barocco.
Questo stile, sostenuto come il vessillo visivo della Controriforma, cercava di creare una forte propaganda per la Chiesa cattolica.
Si basava sull’artificio, che attraeva tutti i sensi per immergere lo spettatore in un mondo magico di potere e pietà.
Holly Borham: Inoltre, immagina questi ritratti allineati in un magnifico palazzo reale o nella residenza di un membro dell’élite della corte.
I ritratti sarebbero stati ancora più imponenti riuniti come un gruppo per mostrare la successione dinastica e circondati da mobili costosi.
Per le opere religiose, immagina di trovarle in chiese riccamente decorate illuminate dalla luce tremolante delle candelabri.
Sono meant to inspire devotion through appealing to all your senses.
Granados-Salinas: Spero che il nostro pubblico non trovi la mostra opprimente nel senso negativo della parola, ma piuttosto che diventino curiosi riguardo a una cultura che è molto diversa per coloro con background protestanti.
Coloro che hanno un background latino e/o cattolico troveranno certamente modalità di rappresentazione familiari.
Spero anche che la mostra incoraggi conversazioni su cosa significhi il patrimonio ispanico, in modo che possiamo affrontare criticamente alcuni aspetti nascosti del colonialismo che manteniamo ancora oggi utilizzando tali etichette.
Ecco perché ho spinto per fare una distinzione e non presumere che l’arte inclusa nell’esposizione sia tutta “spagnola,” poiché include artefatti messicani e peruviani.
Argomento che negli Stati Uniti sarebbe impossibile presentare dipinti di Gerardus Duyckinck o John Singleton Copley come parte della produzione artistica dell’Impero britannico.
Allo stesso modo, spesso trascuriamo il fatto che Caravaggio, il grande maestro del Barocco italiano, mentre viveva a Napoli, visse sotto dominio spagnolo.
Parlaci un po’ di Archer M. Huntington, il filantropo e studioso che fondò la Hispanic Society of America, il gruppo che ha originariamente allestito questa mostra.
“Spirit & Splendor: El Greco, Velázquez and the Hispanic Baroque,” una grande esposizione visibile all’Università del Texas fino al 1° febbraio, è destinata a essere un successo di pubblico.
Blanton Museum of Art.
Holly Borham: Era l’erede di un patrimonio ferroviario e navale.
All’inizio della sua vita, visitò l’Europa e fu così colpito dal Louvre che decise che un museo sarebbe stato nel suo futuro.
Incontrò per la prima volta la lingua spagnola durante la visita della fattoria di sua zia vicino a San Marcos, in Texas, e fu affascinato dalla letteratura spagnola.
Quando raggiunse la maggiore età, decise di dedicarsi alla raccolta di libri rari, manoscritti e opere d’arte per un “Museo spagnolo” piuttosto che seguire suo padre negli affari.
Anche sua madre era un’appassionata raccolta d’arte e fondatrice del Huntington Museum and Library a San Marino, California.
Granados-Salinas: La connessione con Anna Vaughn Huntington e il Texas è sicuramente significativa, attraverso il suo lavoro “Fighting Stallions” alla Texas State University e “Diana of the Chase” nel Campus UT.
Tuttavia, è stato più significativo per noi accogliere questa mostra perché suo marito e fondatore della Hispanic Society, Archer Huntington, donò nel 1927 una grande porzione di terra a Galveston che, quando venduta, permise all’università di piantare un seme che sarebbe diventato il Blanton Museum of Art, fondato inizialmente nel 1963 come Università Galleria d’Arte.
Ecco perché, dal 1980 al 1998, il nome della nostra istituzione era Archer M. Huntington Art Gallery, e il motivo per cui il fondo museale per le acquisizioni porta ancora il suo nome.
Holly Borham: Archer Huntington fondò la Hispanic Society nel 1904 per ospitare la sua collezione.
Sua seconda moglie, Anna Hyatt Huntington, era una famosa scultrice particolarmente dotata nel rappresentare animali.
Diede il suo “Diana of the Chase” a Mrs. Thomas Sheldon Maxey, che lo donò all’Università del Texas nel 1927.
Questa scultura è ora di fronte a Littlefield Hall.
Nello stesso anno, fece una donazione all’UT.
Granados-Salinas: Huntington effettuò questo dono dopo che la scultura di sua moglie fu donata all’UT, ma anche perché trascorse molto tempo in un ranch appena fuori San Marcos tra i 6 e i 15 anni, che era di proprietà della sua nonna materna, Catherine J. Yarrington.
I dipinti riflettono non solo cosa stava accadendo in Spagna, ma anche altrove all’interno della sua sfera imperiale. Quali sono alcuni esempi prominenti di questo fecondo scambio di idee artistiche?
Il “San Luca” di El Greco, circa 1590, olio su tela.
Holly Borham: La mostra si apre con un artista formato ad Anversa (Anthonis Mor van Dashorst) che viaggiò in Spagna e divenne il pittore di corte per Re Filippo II.
Il suo stile ha fissato lo standard per il ritratto spagnolo attraverso il secolo successivo.
Il secondo artista in mostra è Luis de Morales, che è stato chiaramente influenzato da Leonardo da Vinci.
Come Leonardo, Morales usa la tecnica dello sfumato per avvolgere le sue figure e il paesaggio in vaghezza piuttosto che definirli attraverso contorni netti.
Successivamente vediamo opere di El Greco, che nacque a Creta e vi fu formato come pittore di icone, viaggiò a Venezia e Roma — dove fu influenzato da artisti come Tiziano, Tintoretto e Michelangelo — per poi stabilirsi a Toledo, in Spagna.
Le sue opere sono considerate parmi i capolavori della pittura spagnola in questo periodo e mescolano chiaramente stili provenienti da molte diverse regioni.
Granados-Salinas: Tre opere sono le più rilevanti per me per mostrare questo processo: il “San Michele” di José Juárez, l'”Immacolata” di Alonso de Herrera su rame, e il “Santa Teresa” di Melchor Pérez de Holguín.
Juárez fu il primo di una prolifica famiglia di pittori che si estese fino alla metà del XVIII secolo.
Inaspettatamente, questo dipinto è basato su una composizione popolarizzata in Spagna dall’artista fiammingo Maerten de Vos (1532-1603), che è documentato aver inviato un dipinto molto simile firmato nel 1581 a Città del Messico, esposto nella Cattedrale dopo il 1586.
Tuttavia, a causa del trattamento dei colori, e dei riccioli dell’angelo, mi ricorda molto il “Tre Marie al Sepolcro” del Blanton, dipinto da Jacopo da Empoli (Firenze, Italia, 1551–1640), attualmente esposto.
La lastra di rame di un frate domenicano è anche un esempio emozionante di questo processo.
Herrera fu formato a Siviglia, proprio come Alonso Vazquez, di cui molti studiosi hanno ritenuto fosse l’insegnante di Juárez e che è anche presente nella mostra.
L’uso di una lastra da parte di Herrera ovviamente destinata alla stampa, con le figure dei santi gesuiti incise sul retro, in uno stile molto fiammingo, parla delle scarse risorse che dovevano essere riutilizzate ma venivano abbandonate attraverso l’Atlantico.
Il Museo de Arte de Lima ha un esempio simile di una lastra di rame di Mateo Perez de Alesio che è stata riutilizzata, a dimostrazione che se rara, questa non era una pratica sconosciuta.
Infine, il Pérez de Holguín parla di un altro tipo di viaggio, questa volta di un pittore locale che andò a Potosí, una città caratterizzata da estrema povertà e abuso nonostante fosse la fonte di ricchezza globale.
Anche lui, proprio come El Greco o Zurbarán e molti altri pittori della mostra, migrò in cerca di fama e fortuna, che trovò ricreando lo stile e le iconografie che ebbero origine in Spagna mezzo secolo prima del suo tempo.
Questa scena delicata di Santa Teresa, la mistica santa più nota del XVI secolo, e il suo mentore spirituale era una sorta di banner orgoglioso per la monarchia spagnola.
Mostrando questi due personaggi, il pittore boliviano non faceva solo preservare la loro memoria e aumentare la devozione popolare nei loro confronti, ma forse più importante, mostrava anche la sua fedeltà alla corona spagnola.
Pérez de Holguín è uno dei pittori di cui sappiamo di più, poiché, come El Divino Morales o Velázquez, divenne una sorta di pittore ufficiale per l’autorità locale.
