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Il teatro è tornato e Houston ne ha avuto in grande quantità.
La stagione teatrale 2024-25 di Houston, e la città stessa, è tornata in forze dopo le restrizioni imposte durante l’apice della pandemia di COVID-19.
Gli spettacoli hanno avuto tutta la provocazione, il fascino, l’intelletto e l’umorismo che caratterizzava le stagioni pre-pandemiche.
Gli spettacoli sono cresciuti.
Anche i vecchi cavatappi sono stati ristrutturati per questa nuova era.
E il pubblico sembra aver goduto di questa rinascita, questo rinnovamento.
È stata una stagione eccezionale e siamo grati per essa.
La gioia è contagiosa.
Guarda la miriade di opere di cui siamo stati benedetti, provenienti da tutte le nostre compagnie: la vecchia compagnia di 4th Wall, l’aggiornamento contemporaneo di Bedlam, e la pura perfezione della ferocia e della teatralità tossica di Dirt Dogs.
La gioia assoluta che abbiamo trovato nell’Alley Theatre e la pura surrealità elata di Mildred’s Umbrella, insieme alla diversità del casting della Rec Room.
Il debutto mondiale della commedia drammatica sui killer di A.D. Players, il divertente e impeccabilmente recitato di Classical Theatre, e il triste ma intrigante di Catastrophic Theater.
La vibrazione elettrica del Garden Theatre, il nostalgia-tinged di Stages, e tanti altri ancora.
Ma non è solo il lavoro ad aver affrontato delle sfide; tutto ha fatto, dal design alla performance, dal suono all’illuminazione.
È stato emozionante vedere dei professionisti come Pamela Vogel, Wesley Whitson e David Rainey recitare ruoli che ci hanno sfidato.
Siamo stati trattati ad un appartamento in St. Louis da sogno e trasandato, a un castello di vampiri pieno di ragnatele, a una mensa piena di spazzatura, alla vecchia Germania con giovani attraenti, a un ristorante McDonald’s, a un appartamento garage a Madrid, a una baracca di Atlantic City, a un negozio di fiori in Bowery con una pianta aliena mangiante d’uomo, a una piattaforma petrolifera nel Golfo, ovunque sulla terra.
E quali suoni abbiamo sentito: un’infestazione di insetti attraverso i muri e sotto la pelle; la musica rock cranked to 11; tanghi sexy argentini; i suoni di un fuoriuscita di petrolio con gabbiani squittanti coperti di melma; lo schianto di un amato unicorno di vetro; il solo suono di ‘Taps’ nel Campo Logan di Houston.
Tutto ha riverberato e ci ha tenuti ipnotizzati.
Abbiamo applaudito tutti i seguenti finalisti e vincitori.
Ci rendi fieri di dare notizie sul teatro.
La stagione teatrale 2024-25 ha risonato di innovazione e rinnovata professionalità.
È stata una stagione di gratitudine.
Che continui.
Due ruoli di punta potente uno sopra l’altro in due teatri diversi di Houston—Pamela Vogel ha stupito nuovamente il pubblico in un anno stellare.
Per prima cosa, c’è il suo ruolo come Peg in, dove interpreta una vedova che vive nella prateria del Wisconsin.
È turbata dalla natura che vede scomparire davanti ai suoi occhi.
Perché ci sono meno uccelli, api e fiori selvatici?
Potrebbe essere il deflusso di pesticidi dalla terra del suo vicino?
Nel frattempo, in un altro progetto di recupero, la ex consulente ha assunto un giovane tuttofare che ha trascorso tempo in prigione.
Hanno una facile complicità.
Ma quando alcuni dei suoi oggetti spariscono, l’ufficiale di sceriffo locale con un risentimento concentra tutta la sua attenzione su di lui.
Peg inizia ad avere delle sospetti, il che porta a una tragica fine dell’opera della durata di 90 minuti.
In un ruolo completamente opposto a quello di una vedova del Midwest, Vogel diventa l’acclamata autrice e intellettuale Joan Didion in.
L’opera personale ha il suo personaggio che lavora attraverso gli sviluppi strazianti della sua vita: suo marito è morto e sua figlia è ricoverata in ospedale con una grave malattia e alla fine muore anche lei.
Il riconoscimento nazionale, a quanto pare, non è una difesa contro la perdita.
Invece di ricorrere a un’eccessiva lamentela, Vogel nei panni di Didion mescola momenti di nostalgia con fatti clinici duri riguardanti le disposizioni funebri e i trattamenti medici.
Occasionalmente, esprime incredulità su ciò che le sta accadendo.
Poche attrici potrebbero aver fornito due performance così affascinanti, oneste e profonde nello stesso anno.
Fortunatamente, Pamela Vogel è una di quelle rarissime attrici di talento in grado di farlo, facendola diventare la nostra chiara selezione per la Miglior Attrice.
Allo stesso modo, la rappresentazione di Lincoln e Booth come fratelli in conflitto che si sono affrontati per anni, non aiutato affatto dall’acerbo senso dell’umorismo di loro padre che gli ha dato questi nomi conflittuali alla nascita.
Nessuno dei due è stato di successo nella vita, e si pestano addosso tanto quanto la mano che hanno ricevuto.
I genitori li hanno abbandonati in tenera età, e sono più o meno uniti insieme, che lo vogliano o no, da allora.
Brandon Morgan nel ruolo di Booth è un uomo rumoroso e impulsivo che ha creato uno scenario in cui, se suo fratello più grande Lincoln, un ex truffatore di carte, gli mostrasse semplicemente come gestire quel gioco di imbrogli, la sua vita cambierebbe drasticamente.
Salta, è eccessivamente ottimista riguardo alla donna che sta inseguendo come fidanzata.
Considera imbrogliare a carte come un passo in avanti rispetto a rubare vestiti dai negozi.
Timothy Eric è Lincoln, un ex campione di tre carte che finalmente ha deciso di mettere la sua vita in riga e quindi evita le carte come un alcolista in recupero evita la bottiglia.
Nella sua forma oratoria e nel modo così stanco in cui si porta, Eric ritrae un uomo molto più riservato, abbattuto da una vita difficoltosa e che cerca di andare avanti.
Si guadagna da vivere come Abramo Lincoln con trucco bianco in un arcade.
È preoccupato che l’attività dell’arcade non stia andando molto bene e che potrebbe essere sostituito.
Ambedue, Eric e Morgan, ciascuno dei quali ha ricevuto riconoscimenti per il loro lavoro precedente sul palco nell’area di Houston, gestiscono i loro ruoli con autenticità lampante.
Non c’è un buono contro un cattivo chiaro in questo spettacolo.
Il finale è devastante per entrambi.
C’è fortuna nella nostra posizione, poiché due attori superbi hanno dato vita a queste anime travagliate.
Le loro interpretazioni erano così azzeccate che questa è stata un’esperienza teatrale in cui non era necessaria alcuna sospensione dell’incredulità.
Il talento di Kyle Clark come Peter Evans in Dirt Dogs Theatre Co., John Johnston come Charlie in A.D. Players, Philip Lehl come Vanya in 4th Wall Theatre Co., David Rainey come Willy Loman in Rec Room Arts, e Wesley Whitson come Ryan in 4th Wall e come Amleto nel Bedlam di 4th Wall.
Sarah Sachi ha quella qualità indefinibile che gli attori desiderano e per cui lavorano per anni per raggiungerla: naturalezza.
Due volte finalista per gli Houston Theater Awards come Attrice Non Protagonista (2023 e 2024), è diventata una figura forte e indipendente come madre Helen nel dramma integrazionista di Christina Anderson, che vede una moglie di colore di classe media negli anni ’60 a Beacon, Kansas, che prende un ruolo minore dall’uomo Edwin (un energico e carismatico Joseph Palmore) mentre lui – e poi lei – protesta per l’apertura della piscina pubblica a tutti.
La figlia Janice (LaKeisha Rochelle Randle) è traumatizzata dai ricordi della sua infanzia legati alla sua paura per l’acqua per via della sua mancanza e darà la causa ai suoi genitori per aver combattuto i diritti degli altri prima di combattere per i suoi.
L’opera oscilla tra i genitori e Janice, ma siamo sempre dalla parte di Helen e Edwin, la cui relazione è piena di musica e danza, attivismo comunitario, e un salutare, sexy rispetto reciproco.
Quando Edwin perde vigore a causa di incessanti battaglie annuali con i poteri che devono essere, Helen prende le redini e continua a combattere a qualunque ostacolo la comunità le metta davanti.
Non è l’indole obstinata di Sachi nei panni di Helen a convincere, ma la sua facilità come attrice.
C’è qualche gesto che non sia basato nella vita reale?
Qualsiasi cadenza nel suo discorso che non suoni giusta e vera?
Quando ride danzando con Edwin, chi non ride con lei?
È un’attrice contagiosa che non sembra mai recitare.
Dopo tutto, sembra semplicemente stupenda in quel costume da bagno degli anni ’60.
Amy Bruce come Annie in The Catastrophic Theatre, Michelle Elaine come Corrina, Wally’s Waiter e Clienti della Banca in Alley Theatre, Melissa Molano come Laura in Alley Theatre, Sammi Sicinski come Adrienne in Mildred’s Umbrella Theater Company e Alexandra Szeto-Joe come Irina in Classical Theatre Company.
Sappiamo chi è Biff Loman, il giovane e una volta stella del football delle superiori con un brillante futuro davanti, che idolatrava suo padre, Willy.
Sappiamo anche chi è Biff Loman, il drifter di 34 anni con un talento per il sabotaggio di se stesso, un figlio disilluso con una crescente insistenza sulla verità – specificamente, la verità da suo padre.
In Arthur Miller’s Death of a Salesman vediamo entrambi, il che significa che il ruolo di Biff richiede i talenti di un attore che può non solo incarnare la giovinezza nei suoi giorni di gloria, colui che continua a dominare i ricordi di suo padre, e quindi, l’uomo cresciuto ansioso e spezzato dal tradimento, ma anche qualcuno che può essere entrambi contemporaneamente.
Fortunatamente, Rec Room Arts ha avuto l’eccezionale Brandon Carter, un attore di abilità eccezionali che, nelle scene passate, ha prefigurato le lacerazioni adolescenziali che inevitabilmente si apriranno e, nelle scene del presente, ci ha mostrato come il Vangelo secondo Willy continui a perseguitarlo come un fantasma.
In una performance che non si può distogliere lo sguardo, Carter ha creato un Biff che sembrava compiuto, facendo da specchio e scudo per Willy di David Rainey con chiarezza elettrizzante.
Carter ha impressionato per tutto lo spettacolo, con diversi dei momenti chiave dell’opera, come il rivelarsi al Boston hotel e il suo incontro con Bill Oliver, che hanno avuto un impatto devastante.
Tuttavia, Carter ha bloccato questo premio durante la sfida finale con Willy, quando Biff si definisce “niente” e dice di essere “una dozzina di centesimi” come Willy.
È un riconoscimento necessario e un catarsi allo stesso tempo, anche se sappiamo, in modo devastante, che il tentativo di Biff di ritirare suo padre dalle illusioni che lo stanno affogando non può impedire la “qualcosa di brutto” in arrivo.
Orlando Arriaga come Victor Prynne in Alley Theatre, Kendrick Brown come Happy in Rec Room Arts, Benjamin McLaughlin come Tuzenbach in Classical Theatre Company, Joseph “Joe P” Palmore come Edwin e altri in Stages, e David Rainey come Bert in Alley Theatre.
Ambiguità, rabbia, il peso del trauma, la retribuzione, vulnerabilità, potere sessuale o vittima sessuale.
Nei panni di Una, in Dirt Dogs Theatre Co., la pièce post-mortem di una relazione illegale May-December, Olivia Knight prende tutte queste emozioni contrastanti e osana a farci vedere.
Per sentire, per capire che cosa sta cercando, anche se lei stessa non ne è sicura.
Perché lo sta visitando, l’uomo che è andato in prigione per aver sedotto lei quando era minorenne?
Knight ci ha tenuti in sospeso per tutta la sua esplosiva performance di 90 minuti sul palco.
Come interprete, brilla di emozioni conflittuali e incandescenti.
Non riuscivamo a distogliere lo sguardo da lei.
La prima volta l’abbiamo notata nel 2023 per la sua performance fisicamente fluida come pugile e madre adottiva riluttante nella produzione della Rec Room.
Meritava di essere finalista l’anno scorso.
Ma il suo ruolo come Una ha dimostrato che Knight può conquistare singolarmente il palco.
Confidenza, talento e una profonda comprensione di un personaggio così poliforme.
Ha mostrato tutto questo in una delle performances più memorabili della stagione.
È un modo eccezionale per emergere in quella che è stata una delle migliori stagioni teatrali di Houston.
Non vediamo l’ora di vedere di più del suo talento nelle stagioni future.
Se dovesse mai parafrasare Norma Desmond in Sunset Boulevard, possiamo sentirne il suo accento secco, “Non è una pensione.
Odio quella parola.
È una pausa.”
Dopo 25 stagioni come membro della compagnia Resident Acting dell’Alley Theatre, Todd Waite ha detto addio.
Le sue ultime performance si sono svolte lo scorso aprile nella sua sesta apparizione come l’iconico detective Sherlock Holmes in Ken Ludwig’s.
Ogni performance ha ottenuto una standing ovation.
Se lo meritava ogni singolo applauso.
Ma non sta andando da nessuna parte.
Sì, ha lasciato l’Alley, ma questo non è un addio.
Il teatro lo chiamerà sempre, così come questo settembre, quando Waite tornerà in scena nei panni di Sir Leigh Teabing in.
Così tanto per una pausa.
Un attore distintivo, alto e snodato, nato in Canada come Todd Postlethwaite, Waite sembrava un attore di un’altra epoca, come l’idolo di un tempo William Gillette, il primo Holmes di palco; o James O’Neill, padre di Eugene; o forse l’attore vittoriano Richard Mansfield.
Era un classico di un’epoca passata, scolpito dalla luce del palcoscenico.
Il suo nome elencato nel Playbill suscitava un’anticipazione che pochi altri convocavano.
La sua altezza era un vantaggio, perché gli permetteva di spiccare sul palco, ma la sua presenza era innegabile: in qualche modo regale, aloof, un uomo con un’aura.
Guarda, lui irradiava in silenzio, “Ti farò saltare le calze di dosso.”
E così ha fatto.
Ha sempre recitato bene con gli altri, tirando fuori il meglio di loro, eppure riusciva a elevarsi anche quando circondato da regulars all’Alley.
Questo non è un’impresa da poco; sono una compagnia formidabile, ma Waite sembrava fuori dall’ordinario.
Non certo una distrazione, era unico nel movimento, nella dizione, nella caratterizzazione.
La gente guardava per vedere cosa avrebbe fatto, e lui non ha deluso mai.
Nelle sue 135 interpretazioni durante la sua carriera all’Alley, ha spesso incantato.
Ricordi la sua Crumpet l’elfo in un uomo?
Ha recitato in questo ruolo per otto stagioni natalizie di fronte a case piene.
Si è presentato al centro del palco nel suo ridicolo costume da elfo di velluto verde sotto una luce di riflettore, a penzolare una sigaretta come se non gli importasse, e ha incanalato con perfetta comicità Billie Holiday.
Ricordi le sue interpretazioni drammatiche in?
O il trasgressore adultero Martin in Edward Albee’s?
O il padre represso in?
Forse ricordi il suo soddisfatto e contento Henry Higgins in?
I suoi ruoli secondari erano altrettanto memorabili.
Si è presentato sul palco nella sua sedia di stato come il subdolo cardinale Richelieu in, fermandosi su una posizione.
Il fatuo regista Lloyd Dallas nel; il gioioso Fezziwig con burr di Scozia in; o il sadico comandante nazista Pister nella world premiere di.
E chi potrebbe dimenticare quella madre dell’inferno, quella madre auto-immolante Harriet Gottlieb in?
Stringendo il suo highball come se fosse il latte materno, aveva le gambe migliori di tutti.
Alziamo i calici per te, Todd Waite, e per le ore di divertimento che ci hai dato.
Ovviamente, ci saranno altri.
Non vediamo l’ora di goderne con grande piacere.
Cosa odora l’anima adolescente?
Come appare?
Adattato dal dramma scandaloso e spesso censurato di Frank Wedekind del 1891, questo musical vincitore del Tony del 2007 di Duncan Sheik (musica) e Steven Sater (libretto e testi) utilizza il dramma del frutto proibito del desiderio sessuale nascente.
L’innocenza di questi giovani mentre si avventurano nell’età adulta senza alcun aiuto dagli anziani che dovrebbero guidarli può essere devastante.
Sono da soli.
La coreografia di Krohn mantiene i ragazzi in movimento in una passione frustrata, dimenandosi in attesa dei loro nuovi ormoni in ebollizione.
Questo nuovo mondo dei loro corpi in cambiamento è alieno, ma così seducente.
L’intero ensemble è infettato da questo strano umore, sfregando e trovando il loro modo verso un territorio proibito.
È una musica da ballare.
Lo spirito adolescenziale è eterno.
È anche contagioso.
Non puoi sentire l’anima adolescente, ma tramite il movimento di Krohn, puoi sicuramente vederla.
Dan Knechtges per Theatre Under the Stars e Monica Josette per Theatre Under the Stars.
È stato l’anno di Wesley Whitson?
Tre performance indimenticabili: il camionista in difficoltà Ryan in 4th Wall, al suo ruolo da star nel ruolo di Amleto in Bedlam’s (anche questo a 4th Wall), e innumerevoli camei come Clown #2 in Main Street.
Pensiamo possa fare qualsiasi cosa.
La sua precedente esperienza a Houston ci dimostra il nostro punto.
Ricordi il suo inquietante scout-boy Hugo in Mildred’s Umbrella (2017)?
È stata un’ottima introduzione a questo giovane attore, il cui repertorio si è solo ampliato e approfondito nel tempo.
Ha vinto il nostro premio come Miglior Attore Non Protagonista ed è stato finalista molte volte.
Ci sono stati i ruoli doppi di Fool e Cordelia in e un Puck gay e birichino in (Houston Shakespeare Festival); nerd Logan in e il convalescente tatutato Jason in (Ensemble); opportunista d’ufficio Dean in 4th Wall.
Si trasforma con disinvoltura e ha sempre il giusto movimento o tic per i suoi personaggi.
Non delude mai.
Uno dei migliori di Houston, quest’anno ha brillato nel suo terzetto di performance.
Ha meritato il nostro premio Omni.
Illuminare uno spettacolo che è scivoloso sulla realtà ma pesante sul disagio sarebbe potuto sembrare essere una zanzara che si posa su un timpano.
Sai che è lì, ma come catturarlo quando atterrare sembra elusivo?
Puoi perdonare la metafora degli insetti; stiamo parlando di.
Un thriller di folie à deux dove gli improbabili amanti sono chiusi in una stanza di motel decrepita, certi che il governo li abbia infettati con afidi volanti che mangiano carne.
Per ottenere l’umore corretto, l’aspetto dello spettacolo è altrettanto importante di ciò che trasmette.
Grazie al talento di illuminazione di John Baker, lo spettacolo ha ridotto il suo messaggio di crescente patina di squallore distopico man mano che l’opera progrediva.
Inizialmente, ci ha dato una camera di motel, abbastanza oscura da non intravedere tutto il fango, ma con abbastanza chiaro per sapere che non era esattamente sanitaria.
Con l’aumentare dell’insanità dello spettacolo, l’illuminazione di Baker balla in una danza a due.
Più scura, più squallida, più disturbante.
Possiamo vedere gli insetti volare in tutta quella oscurità?
Forse.
O forse sono solo le ombre.
Qualunque sia la ragione, ci ha fatto venire voglia di lavarci con la candeggina.
Una nota speciale va anche a Baker per la sua illuminazione di gusto sulle scene di nudo nello spettacolo.
Abbiamo visto ciò che dovevamo vedere e niente di più.
Gli attori sono stati presi in considerazione in modo corretto… nessun piccolo affare.
Non è comune che la luce ci faccia desiderare di toglierci i vestiti e lavarci con la candeggina.
Ci auguriamo che Baker possa ridere ripensando al suo ruolo in tutto ciò.
Stefan Azizi per Rec Room Arts, Bryan Ealey per 4th Wall Theatre Co., Roma Flowers per The Catastrophic Theatre, Edgar Guajardo per Classical Theatre Company, Jules Houston per Moody Center for the Arts a Rice University, e Kris Phelps per The Ensemble Theatre.
In Dirt Dogs Theatre Co., Michael Mullins impiega un design del suono orribilmente pruriginoso.
A un certo punto, si immagina che la direttrice Malinda L. Beckham dica: “Afidi… ho bisogno di afidi volanti, mordaci, che si insinuano nella pelle!”
E Mullins sorride, sapendo di avere proprio ciò che serve.
Qualunque sia andato il dibattito, la realizzazione di Mullins della necessità dello spettacolo per insetti veri, forse no, è diventata un personaggio a sé.
Mai cartoonesco, il suo ronzio d’insetti sembrava una sinfonia di lunghezza intera con salite, ritardi e crescendo che costruiscono una furia che nessuno si aspetta.
I personaggi erano a disagio; noi eravamo a disagio.
Tutti stavamo pruritando.
Era perfezione.
Allo stesso modo perfetta era la presenza di elicotteri di raccordo in overhead.
Ancora una volta, reali?
Non reali?
Esistono davvero o sono solo un’invenzione dell’immaginazione dei personaggi?
Nelle mani di Mullins, abbiamo sentito i chopper ma abbiamo anche percepito qualcosa di strano in come suonavano.
La totale progettazione sonora era immensamente inquietante, ogni gioco di parole voluto.
E non c’è modo che questo show avrebbe potuto funzionare senza di esso.
Pertanto, è particolarmente gratificante assegnare il premio al suono allo spettacolo che si fondava più fortemente su questo elemento di progettazione e più specificamente a Mullins, il talento che lo ha reso possibile.
Jon Harvey per Classical Theatre Company e Robert Leslie Meek per Moody Center for the Arts a Rice University e per Rec Room Arts.
Quando il 3° Battaglione, 24° Reggimento di Fanteria all-black arrivò nella Houston dell’era Jim Crow per proteggere il cantiere che doveva diventare il Campo Logan nel 1917, fu accolto con discriminazione razziale e, infine, violenza aperta.
Meno di un mese dopo, scoppiò una rivolta tra i soldati e i bianchi civili e la polizia.
Quando tutto fu detto e fatto, i processi militari trovarono 110 soldati colpevoli e 19 furono giustiziati.
Mai prima d’ora e mai dopo gli Stati Uniti hanno giustiziato un così numero di soldati americani in massa.
Sebbene quelle condanne siano state annullate e i soldati ricevano scarcerazioni onorevoli nel 2023, i disordini di Houston del 1917 rimarranno un capitolo vergognoso sia nella storia locale che in quella americana.
Quest’anno, per la produzione di The Ensemble Theatre di Celeste Bedford Walker, i costumi di Krystal Uchem hanno reso quella storia passata, per quanto difficile e dolorosa possa essere, reale.
Uchem ha dimostrato un occhio attento nella costruzione degli uniformi militari che abbiamo visto sul palco, la sua meticolosa attenzione ai dettagli evidente dalla testa ai piedi.
O, più specificamente, dai cappelli a tesa larga ai puttees.
Quei legami per la gamba e cappelli, insieme ai colli alti, vita cintata e giacche fresche, hanno conferito autenticità alla produzione nel suo contesto storico, rispecchiando le uniformi indossate durante la Grande Guerra, in particolare dalle unità segregate come il 24°.
La tavolozza di colori terrosi e militaristici era composta da neutri – khaki, beige e marroni – che si integravano perfettamente con le pareti di legno delle baracche costruite dal designer di set Philip Graschel, creando un mondo sia coeso che autentico.
È chiaro che Uchem conosceva i suoi ordini di marcia e ha consegnato alla perfezione, facendo prendere vita alla storia sul palco.
David Arevalo per Alley Theatre, Lilli Lemberger per Classical Theatre Company, Macy Lyne per The Catastrophic Theatre, Juan Saracay per The Catastrophic Theatre, Leah Smith per Classical Theatre Company, e Paige Willson per Main Street Theater.
Parlando di essere tornati.
Ha Mr. McGettigan più premi del nostro Theatre Awards di qualsiasi altro nominato?
Merita tutti, ovviamente, perché il suo talento non conosce limiti.
Non ripete mai le sue scelte nel suo lavoro sorprendente.
Sorprende costantemente con glamour, grinta, surrealismo sognante o naturalismo.
Fissa ogni gioco con i suoi design azzeccati.
In questa stagione, ha creato dei lavori superlativi.
In Rebecca Gilman’s, ha utilizzato il fotorealismo per raffigurare la cucina della fattoria del Wisconsin in cui la feisty Peg conta i suoi semi da piantare e aspetta la fine del mondo.
Era un ritratto definitorio della stessa Peg: una porta che sbatte, un tavolo e delle sedie consumate, una ciotola di porcellana sopra il vecchio frigorifero, un piano di lavoro per affettare noci per il suo amato pane di zucchine, e un grande coltello da cucina sul bancone.
Le pianure della campagna si estendono oltre la porta.
Tuttavia, con solo tre performance, è stata incarnazione teatrale.
Una dissezione surrealista e simbolica della disastrosa e mortale esplosione della Deepwater Horizon nel 2010 nel Golfo, l’autore Leigh Fondakowski ha documentato gli uomini del petrolio, i dirigenti, i cari di coloro che sono morti, gli innocenti che si sono ammalati.
Era caleidoscopica e epica nel tema, e il set di McGettigan ha coperto l’intero teatro del Moody Center.
Uno enorme schermo di proiezione è stato al centro della scena, che è servito come una sorta di lava lamp per onde, lucido d’olio, notizie, scarabocchi simbolici, gabbiani macchiati di catrame.
Il pavimento era macchiato di ruggine, le passerelle sono state utilizzate come rampe e passerelle, e una scala a lato è stata scalata dai lavoratori.
Con un suono straordinario e un’illuminazione atmosferica, il set di McGettigan era immersivo all’estremo quanto lo era l’opera.
Era un lavoro bellissimo per una produzione più commovente.
Il suo nuovo premio è stato guadagnato due volte.
Afsaneh Aayani per Classical Theatre Company, Stefan Azizi per e Rec Room Arts, Nicholas Graves per 4th Wall Theatre Co., Zhuosi “Joyce” He per Stages, Mark A. Lewis per Dirt Dogs Theatre Co., e Tanya Orellana per Alley Theatre.
L’unica cosa deludente riguardo alla produzione di che si è fermata a Houston a gennaio è stata la sua corsa ridotta a causa del maltempo.
Tuttavia, coloro che sono stati fortunati a vederlo, grazie alla Memorial Hermann Broadway al Hobby Center, hanno avuto una sferzata di puro divertimento, una corsa gioiosa attraverso la perfezione della musica pop, e Shakespeare, dando una revisione intelligente e contemporanea.
Il presupposto della trama, firmata da David West Read, è semplice: Anne Hathaway, la moglie di William Shakespeare e una narratrice a suo modo, vuole che suo marito dia una nuova fine alla sua tragedia Romeo e Giulietta – una che non comporti Giulietta che incontra il lato appuntito di una daga.
Anne ha alcune idee, e presto, Giulietta ottiene un nuovo inizio, amici e un’escursione parigina.
Lo spettacolo è irriverente, meta e, come un musical jukebox, è tutto impostato su canzoni composte dal compositore svedese Max Martin, il fornitore di pop dietro successi di boyband (NSYNC e Backstreet Boys), principesse pop (Britney Spears, Katy Perry e P!nk), e di più (Bon Jovi e Céline Dion).
Luke Sheppard ha diretto la frizzante produzione, con set accattivanti da Soutra Gilmour e costumi di paillettes e volant da Paloma Young, tutti illuminati dai creativi design di illuminazione di Howard Hudson.
E poi c’era il cast, imbarazzanti nel talento e guidato dalla voce meravigliosamente caricata di Rachel Simone Webb nel ruolo di Giulietta.
Non solo intonavano e svettavano along per il catalogo impressionante dello svedese, ma rendevano giustizia al copione piccante di Read e alle coreografie a volte familiari, spesso atletiche e sempre energiche di Jennifer Weber.
Era una corsa colorata, completa di fuochi d’artificio e coriandoli, che ci ha lasciati con quelle sensazioni – nelle parole di Justin Timberlake – “sole nella mia tasca”, “buona anima nei miei piedi”.
Celeste Bedford Walker’s è quasi tutto raccontare, non mostrare.
L’ostilità razziale che porta ai disordini di Houston del 1917 è offstage, lasciando agli attori il compito di dipingere il quadro completo.
Per raccontare la storia e registrarne gli effetti sui loro volti, devono portarne il peso nei loro corpi.
E presso The Ensemble Theatre, questo è esattamente ciò che gli attori hanno fatto con chiarezza devastante, e il quadro che hanno dipinto era accusatorio.
Elia Adams era verde come Charles Hardin, un minnesotano che incontra il razzismo a questo livello per la prima volta.
Il personaggio è ottimista; la sua convinzione che il servizio di soldati neri sia fondamentale per cambiare il modo in cui l’America tratta i suoi cittadini neri è così forte che ha lasciato la scuola per arruolarsi.
Il suo idealismo sincero e sinceramente ingenuo contrasta con Tanner Thomas Ellis’s Jacques Bugaloosa Honore, un soldato della Louisiana che ha rivelato il passato della brutalità subito da lui con effetti devastanti.
In qualità di Robert Franciscus, un MP con un approccio giusto il cui potere cresce man mano che vede la sua autorità ridotto a causa della pressione razzista, Kristopher Adams ha incarnato frustrazione e impotenza.
Roc Living ha fornito alla produzione l’umorismo tanto necessario e il fascino senza sforzo come Gweely Brown, un nativo di Houston con idee su ciò che aspetta gli uomini nella sua città natale.
Come Living, Kendrick “Kay B” Brown ha portato un po’ di entusiasmo come Joe Moses, un settentrionale con un temperamento e una pericolosa propensione a contrattaccare le leggi Jim Crow della città.
A guidare il reggimento c’era Jason Carmichael, un vincitore di un premio alsional di Teatro per Miglior Attore, che ancora una volta ha offerto un’interpretazione straordinaria nei panni del sergente McKinney, un uomo profondamente in conflitto, visibilmente diviso tra dovere e welfare dei suoi uomini.
L’ancora dell’opera, Carmichael ha spesso recitato opposto a Foster Davis nel ruolo di Capitano Kuelke, il capitano dei bianchi apparentemente benevolo e inspiegabilmente duplicitò.
Alla fine della giornata, lui è un uomo disposto a sacrificare i suoi soldati per il mantenimento status quo e per interessi personali.
E, nelle mani di Davis, lo fa con poco più di un’alzata di spalle da burocrate.
L’opera è veramente un pezzo d’ensemble, e la camaraderie dei soldati, a turni facile e poi tesa mentre il mondo invisibile esterno si fa sentire sempre più, è stata indiscutibilmente il battito pulsante che ha vinto il premio della produzione.
Houston actor/author Dain Geist (la sua ultima apparizione attoriale è stata il debutto mondiale di Main Street in questa stagione) ha scritto un’opera che è un sogno per gli attori.
Ci sono, infatti, sette personaggi.
Sono tutti diversi, e il cast scintilla mentre interagiscono.
Tutti sono assassini e sei di loro arrivano in un bar per onorare uno dei loro, il grande stella Bartleby che è stato recentemente ucciso.
È lui quello nella bara, e i sei ex amici, amanti e rivali sono venuti a rendere omaggio.
Non ci vuole molto prima che vecchi rancori affiorino e tutti stiano cercando la loro pistola.
Le loro storie del passato sono intriganti e divertenti come l’inferno.
Alcuni sono pericolosi e scoppiettanti come Midas (Callina Anderson in aderente e elegantissimo cuoio nero).
Uno è elegante e gay con una predilezione per semi-automatiche, cioè Vane (Brad Goertz).
Rabbit (Kara Greenberg) è una femminista sveglia che non ama essere trattata con condiscendenza; Taft (Christianne Mays) cerca di mantenere la pace e ha agende nascoste; Green (Saroa-Dwayne Sasa) è il novellino la cui reputazione è cresciuta dopo aver ucciso un noto cattivo; Montana (Seth Carter Ramsey) è il violento, che spara prima di fare domande.
Nessuno mette in discussione le loro motivazioni per uccidere senza riguardo a chi stanno uccidendo.
Ognuno ha le proprie scusanti e giustificazioni per ciò che fanno per una professione poco comune, quindi il pensiero morale è ben fuori dalla loro sfera.
Ma credono di pensarci, mentre discutono motivazione, come gli piace uccidere e ciò che significa uccidere un bravo ragazzo rispetto a un cattivo.
È questa visione complessa a portare l’opera in un territorio divertente mentre noi nel pubblico aspettiamo l’esplosione inevitabile.
Tramite il dialogo, rimaniamo sul bordo della nostra sedia.
È un buon esempio di teatro che possiamo pensare.
Per favore, scrivi un’altra.
by Anna Ziegler (Alley Theatre), by Noga Flaishon (Main Street Theater), and by Lloyd Suh (Stages).
Fatto divertente: alcuni di noi a attivamente disprezzano il musical.
Questo fino a che non abbiamo visto cosa poteva fare la Rec Room.
E davvero, vergogna a noi per aver dubitato che il team creativo vibrante e straordinario di questa compagnia piccola ma potente potesse rendere noi dei credenti.
Dall’istante in cui quei giovani sessualmente repressi ma fiorenti sono discesi dalle scale perfettamente progettate che ancoravano l’azione dello spettacolo, sapevamo di essere in qualcosa di speciale.
Dimentica le grandi produzioni scintillanti che abbiamo visto in passato.
Lo spazio intimo della Rec Room ci ha portato vicini al bramosia, alla passione e all’angoscia mentre questi adolescenti viaggiano dall’adolescenza all’età adulta.
E che cast era!
Alcuni nuovi alla Rec Room, alcuni freschi sul palco, questa potente gruppo ha cantato, danzato e emozionato fino a che non è rimasto più alcun ormone da attentare.
Nuovi talenti sono stati scoperti e nuovi interpreti messi in evidenza.
È stata una corsa emozionante di scoperta attoriale.
La musica, un’esplosione rock/pop, ha riempito la Rec Room con un coraggio ribellioso grazie alla vivace band sul palco.
Non c’era alcuna orchestra; la musica ravvicinata è stata consegnata dritta nelle nostre anime, costringendoci a infilare bene anche i nostri cuori, ascoltando e bene il viaggio, gli alti ormonali e i bassi più bui.
Il musical era uno scandalo quando è emerso originariamente come opera nel 1906 a Berlino.
È diventato una sensazione 100 anni dopo quando è stato adattato come musical per Broadway.
Ma alla Rec Room è diventato qualcosa di diverso ancora.
Ancora audace con spirito adolescenti, ma nuovamente intimo e personalmente persuasivo.
